Bilder zum Pendel-Theorem

"Letzten Endes wird echte Kunst nach den Geboten der Schönheit gemacht,
welche sich mit der weltumspannenden, sogar kosmischen Harmonie deckt
und so das Sein des Menschen in seinem Bestreben rechtfertigt,
sich in diese Harmonie einzufügen." (Prof. Vincenzo Dino Patroni - Rom 2003)

Eröffnungsfrage für die Diskussion:
Ist das ein Bild oder ist das kein Bild?

• Eindimensionales Pendel des Empfindens
• Natürliches Pendel des Empfindens zwischen Häßlichkeit und Schönheit
• Entwicklung einer Bildlichkeit im Kirchenfenster
• Pollock - Hopper - Malewitsch
• Die Rückkehr des Menschenbildes
• Anmerkungen
• Begriffe Evokation und Imaginärkunst
• Beispiel einer Verschiebung vom Schönen ins Hässliche

Notizen für die weitere Bearbeitung

• Pollock schuf gern in Großformaten. Für ihn war das Unbewusste die Quelle der Kunst.
• Ein Maler des Action Painting hat keine Vortsellung von dem Sinn, den er mit seinem Bild realisieren will. Das verstandesmäßige Bewußtsein wird bei der Aktion ausgeschaltet und nur die spontane Aktivität zählt.
• Es heißt, das Pollocks Malerei in den späten 1940er und der frühen 1950er Jahren reifte, er schüttete die Farbe aus der Dose statt Pinsel zu benutzen, begann Sand einzuwerfen u.s.w., das trug zu seinem Namen Jack the Dripper (etwa: Jack der Tröpfler, Jack der Tropf) bei.
• Pollock lieferte gesteigertes Null, Betrachtungsquantität im imaginären Bereich. Man kann damit von Imaginärkunst sprechen, die sich so für die Allgemeinheit eröffnete. Jeder kann zur Imagination gelangen, jeder kann mitmachen. [♠imaginär: in der Vorstellung bestehend, eingebildet, auch Hirngespinst, Täuschung ♠ Imagination: Einbildung, Einbildungskraft]
• Auf der II. Dokumenta (Juli-Oktober 1959 in Kassel) wurde der »Null-Punkt«, d.h. die Fortsetzung der Moderne, die sich kurz vor und nach dem Ersten Weltkrieg formierte, unter Leitung von W. Haftmann in die Diskussion gebracht.

• Um 1913 gelangte Malewitsch zur immer konsequenteren Geometrisierung seiner Figuren und damit aus seiner Sicht zur »vollen Befreiung der Kunst vom Gegenstand«. Seinen »neuen malerischen Realismus« nannte er Suprematismus und meinte damit die Suprematie der reinen Empfindung.
• Suprematie: Oberherrschaft, Obergewalt.
  [supremum: höchst, äußerst, keiner Steigerung fähig]
• Allein das »innere Erlebnis« des Künstlers bestimme die Anordnung der geometrischen Elemente auf dem entstehenden Bild.
• Auf der 2. Ausstellung des ⇒ »Blauen Reiters« (12.2.-18.3.1912) in München stellte auch Malewitsch seine Graphiken aus.
• Das »Schwarze Quadrat«, entwickelt sich in seiner Idee ein Jahr vor dem Ausbruch des ersten Weltkrieges als ein Bild der Provokation. Es verkörpert für Malewitsch die »Null-Form« (!) der Erfahrung reiner Gegenstandslosigkeit.

Aktuell 2020: Die Fondation Beyeler Basel zeigt in ihrer Frühjahrsausstellung Werke von Edward Hopper.
⇒ Edward Hopper Ausstellung vom 26.01.bis 17.05.2020

Potsdam 2017: Von Hopper bis Rothko
Das Museum Barberini in Potsdam zeigte im Jahr 2017 die Sammlung des amerikanischen Millionärs Duncan Philipps. Für die Darstellung der Geschichte der amerikanischen Kunst auf dem Weg in die Moderne war die Schau selbstredend zu klein, aber sie bot Vorzügliches, um Tendenzen zu erkennen. Die Entwicklung, wenn man sie denn so nennen will, führt aus der beeindruckenden amerikanischen Sicht auf die Realitäten der Welt hin zu der Suche nach imaginären Orientierungs-Punkten der gegenstandslosen Darstellung des Abstrakten.

Hervorheben muß man unbedingt den typischen Amerikaner Edward Hopper mit seinem Sunday (1926), dem das Museum Barberini einen besonderen Platz einräumte. Eine herrliche Wiederbegegnung oder gar Neuentdeckung für deutsches Publikum dürften die Bilder von Rockwell Kent mit The Road Roller (1909) und von John Sloan Six O'Clock, Winter (1912) gewesen sein.

Die mediengewaltige Anbetung der imaginären Kunst seit den fünfziger Jahren verhinderte jahrzehntelang den Blick auf das bedeutend komplexere Schaffen anderer amerikanischer bildender Künstler. Für die Mehrdimensionalität der Aussagekraft dieser Maler seien hier zwei Vertreter des realen Amerikas hervorgehoben, die sich nur scheinbar widersprechen: Edward Hopper (1882-1967), der der Tragik der menschlichen Vereinsamung in der Großstadt nachspürt und Rockwell Kent (1882-1971), der die Menschen als mutige Gestalter der Welt sieht und deren Gefährdung andeutet.

Erntehelfer (um 1935)
(wörtl.: Muschelgräber)

• Hopper stand der Abstraktion nicht verständnislos gegenüber sondern definitiv ablehnend.
  [Siehe Erklärung im → Reality ◊ A Journal of Artists' Opinions (New York 1953)]
• Expressionismus, Surrealismus und Abstrakte kommen von Europa aus in die USA. Das augenscheinliche Puschen dieser Richtungen in den vierziger Jahren in den Staaten erscheint uns heute wie ein Ablenkungsmanöver. Dafür sprechen die sozialen Realitäten, pseudoreligiösen Befindlichkeiten und politischen Entwicklungen dieser und der kommenden drei Jahrzehnte.
• Hopper ist wesentlich amerikanischer als Pollock.
  Hoppers Werke weisen zuweilen auf die Sorge hin, das Menschen auch heimatlos werden können.
  Hoppers Thema: Existenz und Einsamkeit in einer typisch amerikanischen Kleinstadt oder in einer Landschaft und die eventuelle Hoffnung durch die Schönheiten des Lichts.
  [Pollock dagegen hat kein Thema, nicht einmal Pollock selbst ist Thema, aber er gehört mit seinem Unbewußten zu den Bevorzugten der US-Kunstlobby.]
• Hopper beweist feinste Naturbeobachtung (z.B. Licht!) und durchschaut die Eindimensionalität der Abstrakten.

Johannes Wessmark Girls portrait (2016?)

Die Rückkehr des Menschenbildes

Die derzeitige Jämmerlichkeit im Kunstbetrieb zeigt das Unvermögen, Menschenbildnisse zu verteidigen. Während dubiose hypermoderne Forschungen mit hochtrabenden Bezeichnungen wie Gilgamesch sich an menschlicher Natur vergreifen, wird in den Medien jede Verzerrung menschlicher Schönheit hofiert. Wer soll das Menschsein verteidigen, wenn nicht die Kunst? Die Naturwissenschaft scheint sowieso längst in andere Hände gelangt.
Aber die Schönheit menschlicher Gattung findet zurück in die Bildende Kunst. Die Herrlichkeit des Menschen wird in der Kunst wieder erkennbar. Die neuen Realisten sind weitaus philosophischer als vom eingeschränkten Bewußtsein gegenwärtigen Publikums rezipiert. Maler, die ihr Handwerk verstehen, retten das Menschenbild über die Zeit scheinbarer Vorherrschaft des Abstrakten.
Denunzierende Begriffe wie Hyperrealismus oder Fotorealismus sollten retardierend wirken. Nun stellen sie sich als neues Qualitätsmerkmal heraus. Die Zeit ist die große Schwester der Wahrheit. Das zukünftige Publikum wird sich nicht umständlich bemühen müssen, echte Bildhaftigkeit wieder zu begreifen. Es wird Freude und Genugtuung empfinden am (Wieder-) Entdecken des Menschen. Das war schon immer Aufgabe der Bildenden Kunst. Das Internet wird dabei behilflich sein.

Javier Arizabalo Maria (2019)

Beispiel einer relativen Verschiebung vom Schönen zum Hässlichen am Bild »Brieflesendes Mädchen am offenen Fenster« des Jan Vermeer van Delft:
Warum hängt in der Ausstellung »Johannes Vermeer. Vom Innehalten« eine Kopie des alten Zustandes nicht direkt neben dem neuen Bild? Weil vermutlich sichtbar wäre, das hier eine Kunst-Katastrophe herbeigeführt wurde. Die Restaurierung (2017-2021) führte zu Verkürzungen der Aussage- und Interpretationsmöglichkeiten. Eine einmalige ästhetische Komplexität wurde durch direkten Eingriff zerstört. Es ist, als hätte man ihren hellen Schein unterdrückt und damit die Schönheitsaussagen des Bildes verdunkelt. Nun hat die Staatliche Kunstsammlung Dresden einen berühmten Vermeer weniger und ein triviales Genrebild mehr. Wahrlich ein Experten-Erfolg.
Ob die sichtbare Verschiebung vom Schönen ins Hässliche, vom komplexen Mehrdimensionalen ins Triviale, gewollt oder ungewollt war, kann hier nicht beantwortet werden. Hatte man zu spät die Wirkungen der Operation erkannt? Konnte man ab 2018 nicht mehr zurück?
Der frei gelegte Cupido, nur nackt, schwerfällig und klopsig, denunziert die wunderbar feine Gestalt der jungen Frau. Ein ungeschickter Eingriff entpuppt sich als sehr dummer Übergriff. Die Altvorderen haben das einmal richtig erkannt! Wer der Übermaler auch war, vermutlich doch der Meister im hohen Alter selbst, wollte Licht im Bild! Denn dadurch gewann es an Schönheit und Komplexität. Und viele Generationen haben sie empfunden. Deswegen wurde es weltbekannt, nicht wegen eines spießigen Cupidobübchens.
War den Farbschichten-Experten das Bild zu schön? Zu bedeutend für die Dresdner Gemäldegalerie? Waren Konkurrenten der Galerie oder nur schlichte Gemüter am Werk? Die Sachverständigen aus Washington, Kopenhagen, Wien und Amsterdam sollen dem wirklich zugestimmt haben? Die gutartigste Vermutung im Publikum nennt es einen dummen Arbeitsunfall, die bösartigste munkelt von krimineller Absicht.
Nicht alles was technisch machbar ist, ist eben auch schön. Aber Schönes kann neue Technik durchaus. Die Gelegenheit, einen begabten jungen Künstler damit zu beauftragen, mit dem vorhandenen Wissen über das Original ein modernes Kunstwerk der NFT-Art zu schaffen, das dem Publikum die Varianten dekliniert, wurde vertan. Dabei wollte man so modern sein. Möglicherweise wäre ein neues Kunstwerk entstanden und ein altes unersetzbares wäre der Staatlichen Kunstsammlung erhalten geblieben.
Der Verdacht liegt nahe, das es sich hier um Profilierungssucht einiger weniger Spezialisten handelt, die kaum mit der Dresdner Historie innerlich verbunden sind. Vermutlich ging es bei der Aktion um kleinliche provinzielle Aufmerksamkeitssucht. Die sehr vorsichtig artikulierte Ablehnung in der seriösen Presse deutet darauf hin, das Kunstkenner den früher großartigen Ruf der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden nicht zusätzlich schädigen wollen. Aber der Schaden am Bild ist nicht wieder gut zu machen.

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